lunes, 23 de abril de 2018

Crítica: LA CANTANTE CALVA

Decirlo todo sin decir nada

La Cantante Calva es una pieza teatral escrita por Eugene Ionesco, la cual representa una corriente literaria denominada Teatro del absurdo*, propia del siglo XX. En esta oportunidad, el director Paco Caparó presenta esta propuesta en el Club de Teatro de Lima.

Lo interesante de esta puesta es lo hilarante e ilógico de sus diálogos. Como es propio de este género teatral, se busca exponer los dilemas del ser humano de hoy en día a través de la sátira. En principio, da la impresión de ser una obra fútil y sin sentido, no obstante, es allí donde radica su núcleo. Ahora bien, en este tipo de representaciones el elenco es una pieza clave para desarrollar la narrativa y situar al público. En este caso, el reparto lo conforman Fabiola Coloma, Cintia Díaz del Olmo, Omar del Águila, Santiago Giraldo, José Ferguson y Jhosep Palomino, quienes al construir personajes sólidos y al mismo tiempo divertidos, hicieron que la obra cobrará mayor sentido.

Una trama que revela problemas tan cotidianos, como lo es la ausencia de una comunicación real y eficaz entre los seres humanos modernos, es desarrollada en los conflictos y enredos de los Smith y los Martin en la puesta. Proyectando lo banales que pueden llegar a ser las relaciones interpersonales, la comunicación y entendimiento entre unos y otros. Otro detalle es el hecho de agregar los celulares como elemento que representa el medio digital que nos invade actualmente; sin embargo, debido al vestuario de los personajes (propio de los años cincuenta) se producía una incoherencia en cuanto al aspecto visual y, aunque se comprende que (los celulares) muchas veces obstruyen la comunicación directa, se notaba esa disparidad.

La Cantante Calva es una puesta divertida, arriesgada, que trata una problemática de hoy; la falta de comunicación o, en su defecto, el mal uso que hacemos de ésta al momento de relacionarnos. Mediante un lenguaje que, sin decir mucho lo dice todo, esta obra refleja lo que estamos perdiendo como humanos, como sociedad; así como, nuestra incapacidad de reconocernos y expresar lo que pensamos y sentimos.

*Este tipo de teatro tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y al hombre. La incoherencia, el disparate y lo ilógico son también rasgos muy representativos de estas obras comunes. (Consultado en la web)

Maria Cristina Mory Cárdenas
23 de abril de 2018

domingo, 22 de abril de 2018

Crítica: LUMPENENSES: LA MARCHA DE LOS INSECTOS


El mundo íntimo de Lumpenenses

Ocho historias personales unidas por un solo contexto: la marcha de los cuatro suyos. Este es el marco de la obra Lumpenenses: la marcha de los insectos,  escrita y dirigida por Alejandro Alva con lugar en el teatro Ricardo Palma. La propuesta nos trae la revisión de aquel capítulo de nuestra historia desde la situación de cada uno de los personajes, conectando las historias a través de la gran coyuntura que provocó una de las marchas más importantes del país.

La puesta en escena está estructurada por una serie de escenas donde se ve a cada uno de los personajes en dos tipos de situaciones: una “careta” pública en contraposición de una situación íntima, donde podemos ver las verdaderas necesidades de cada uno. Como propuesta, es interesante porque nos presenta no solamente a los personajes como víctimas de una coyuntura política, pues desde la dramaturgia hay un especial enfoque en mostrar la lucha personal de personajes de todo tipo de condición: políticos, profesionales, ambulantes, etcétera. 

Las contradicciones que la obra propone en cada personaje, si bien fueron construidos con particularidades y características peculiares, no las vi consolidadas en casi todo el elenco. Es decir, si bien las escenas nos informaban sobre la doble moral de cada uno, los actores se notaban un poco técnicos en aquellos momentos de quiebre que todos tuvieron a lo largo de la obra o, como se suele decir, ellos se mostraban un poco “fríos”, algo que le quitaba un poco  de ritmo a la obra.

El paso entre cada escena fue técnicamente ordenado, aunque se puede mejorar en cuanto a la precisión en elementos tecnológicos que acompañan la puesta. Al tratarse de una obra en donde tenemos un conjunto de escenas claramente diferentes, una tarea importante es lograr la unidad como montaje, pudiendo crear una fluidez rítmica en el transcurso de ella. Sin embargo, a veces ocurría que el paso entre escenas era un poco largo, lo que cortaba el flujo del montaje entero, y producía una sensación de estar viendo una obra intermitentemente.  Es importante este punto, pues un desajuste como este puede opacar todo un trabajo que definitivamente una obra como esta ha ido acumulando.

Definitivamente, el mayor aporte que considero esta obra nos trae es el de traer a la actualidad un hecho histórico como fue la marcha de los cuatro suyos. Es reconfortante ver una propuesta escénica donde no se busca regodearse en la victimización que un hecho como este pueda tener, sino que se pretende y se logra mostrar la lucha independiente de personas con las que todos lidiamos todo el tiempo: periodistas en la televisión, vendedores ambulantes, políticos, que a su vez son hijos, madres, padres y esposos que tienen más de un enredo por resolver en sus vidas. Me quedo con un hecho fundamental mostrado en el montaje: cada uno tiene su propia lucha, sin importar las apariencias buenas o malas que individualmente puedan proyectar.

Stefany Olivos
22 de abril de 2018

sábado, 21 de abril de 2018

Crítica: NOVECENTO

Navegar sobre el texto

Un monólogo de fraternidad: un amigo que cuenta la vida de otro, extraordinario pianista que nunca pisó tierra firme, sino que navegó dentro de un barco toda su existencia. Así, Novecento, se construye ante nosotros, como personaje y espectáculo, desde la voz de un narrador comprometido con su relato, porque desata en él un amor inolvidable.

Sobre el escenario, el piano y el pianista que hace resonancia a las sensaciones expuestas por Jorge Armas, encargado del extenso monólogo. En su elaboración, el actor expone su bagaje técnico, encara al público con personalidad ofreciendo bailes, cambios de ritmo, juego de voces y diversas reconstrucciones corporales y posturales, para dar vida a cada personaje involucrado en la historia de Novecento. Esta propuesta, aunque plausible por su innegable esfuerzo y atrevimiento, cae por momentos en la monotonía de la forma, debido a que la extensión del texto desnuda los recursos externos y hace perder conexión entre el espectador y el narrador. La espectacularidad se torna agotadora y solo cuando Jorge deja de lado el movimiento e interioriza, ubicamos verdad en medio de las palabras.

A pesar de lo anterior, Novecento tiene momentos de gran aplomo y es cuando se explota la interacción entre Jorge y Louis, el pianista. A pesar del silencio del músico, el actor encuentra un estímulo concreto sobre el qué trabajar e inician secuencias donde el texto se torna música y el vibrar de las notas reivindica las palabras del actor. Conjeturas entre dos artes que nos guían hacia un espectáculo más sensorial que narrativo.

Por otro lado, a Novecento, como puesta en escena, le cuesta romper con su esquema de luz y color. El carácter funcional del arte monocromático, otorga unidad a la obra, pero le resta ritmo visual. Asimismo, la luz, que llena el escenario de un tenue que casi no varía y los cambios que propone suceden inorgánicos, como la sombra final que tuerce un pedazo de tela, composición que se pierde en el estatismo del texto y el color.

En definitiva, Novecento  trae consigo una historia fantástica y la dirección propone vivirla desde las destrezas del actor y el músico; en ese sentido, la interacción entre ambos funciona más que la práctica individual de cada arte, la armonía hace crecer un texto complicado. Así, Novecento tiene mucho por desarrollar y muchos recursos para hacerlo.

Bryan Urrunaga
21 de abril de 2018

Estreno: UNA GATA SOBRE EL TEJADO CALIENTE DE ZINC


De Tennessee Williams

Dirigida por la cineasta Joanna Lombardi
Estreno: 10 de mayo
Ya iniciamos la preventa

El Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú, junto a la Fundación BBVA Continental, se complace en presentar, desde este jueves 10 de mayo, una mirada contemporánea del clásico que se mantiene más vigente que nunca: UNA GATA SOBRE EL TEJADO CALIENTE DE ZINC del autor americano Tennessee Williams. La primera obra teatral dirigida por la cineasta Joanna Lombardi, reúne en escena a un elenco de lujo conformado por Wendy Vásquez, Rodrigo Palacios, Gustavo Bueno, Graciela Paola, Eduardo Camino, Diego Lombardi, Anneliese Fiedler y Chipi Proaño. Puedes encontrar las entradas en preventa en Teleticket y en la boletería del Centro Cultural.

SOBRE LA OBRA

En UNA GATA SOBRE EL TEJADO CALIENTE DE ZINC lo que parece ser una normal reunión familiar para celebrar el cumpleaños número 70 del abuelo Pollitt, se convierte en una excusa para poder reflexionar sobre la muerte, la represión, la ambición y la sexualidad. Brick, el hijo menor, no hará más que beber whisky mientras intenta que su esposa Maggie, quien busca quedar embarazada para asegurar una buena parte de la herencia familiar, lo deje en paz.

Esta obra le ganó un premio Pulitzer a Tennessee Williams y desde entonces ha sido presentada en distintos teatros a nivel internacional y será siempre recordada por su versión cinematográfica de 1958 protagonizada por Elizabeth Taylor y Paul Newman. Joanna Lombardi, quien asume por primera vez el reto de dirigir una obra teatral, nos comenta que el gran atractivo de esta obra son sus personajes “inmersos en su soledad y en la negación de sus deseos, que no son héroes ni villanos; solo seres humanos que se esfuerzan por sobrevivir fingiendo que viven; que ascienden de la noche a la noche más oscura“.

UNA GATA SOBRE EL TEJADO CALIENTE DE ZINC
De Tennessee Williams
Desde el 10 de mayo

Dirección: Joanna Lombardi
Elenco: Wendy Vásquez, Rodrigo Palacios, Gustavo Bueno, Graciela Paola, Eduardo Camino, Diego Lombardi, Anneliese Fiedler y Chipi Proaño.
Horario: De jueves a lunes a las 8:00 p.m.
Lugar: Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075. San Isidro)

Precio de entradas (preventa)
General preventa 1: S/. 35.00 (hasta el 22 de abril)
General preventa 2: S/. 45.00 (hasta el 10 de mayo)
General: S/. 60.00
Estudiantes: S/. 25.00
Jubilados: S/.30.00

Entradas en Teleticket y en la boletería del teatro.

Estreno: BIENVENIDA


Autoficción teatral dirigida por Ana Claudia Moca

Estreno: 04 de mayo a las 8:00 pm

El Tuétano Teatro, compañía recientemente fundada, nace en la búsqueda de escribir ficciones sobre problemáticas sociales a través de laboratorios de creación colectiva con artistas que atraviesan dicha problemática también en sus vidas personales. Así se creó su más reciente montaje: Bienvenida, bajo la dirección de Ana Claudia Moca. Su corta temporada será de cinco únicas funciones desde el viernes 04 de mayo a las 8:00 pm en la Casa Trenzar, en Barranco.

BIENVENIDA es una autoficción teatral donde tres actrices, Andrea Blotte, Claudia Benites y Joaquina Maldonado, interpretarán a sus propios alter ego. En este juego de realidades, sus fantasías alrededor de la belleza física, la alimentación y el amor se confrontan con la percepción que hoy tienen de ellas mismas en el mundo real.

Las creadoras señalan que “Al hablar de nuestra conflictiva relación con la comida, nos dimos cuenta de que este tema abría la puerta de entrada a inquietudes mucho más grandes; como la reacción de nuestro cuerpo físico y psíquico ante el crecimiento o como el foco que las personas a nuestro alrededor pusieron en el aspecto físico durante nuestra adolescencia. La deconstrucción cultural que atravesamos en búsqueda de nuestra identidad adulta y responsable nos compromete personalmente con el espectáculo. Con BIENVENIDA, nos interesa mostrar cómo estos hábitos modifican nuestros cuerpos, relaciones y vidas, en la ficción y en la realidad real”.

BIENVENIDA – AUTOFICCIÓN TEATRAL
Lugar: Casa Cultural Trenzar
Dirección: Av. Lima 243, Barranco
Funciones: del 04 al 12 de mayo, de viernes a domingo
Hora: 8:00 p.m.

Pre-venta (Hasta el 02 de mayo)
PRECIO ÚNICO: S/. 20.00
Venta (A partir del 03 de mayo)
PRECIO GENERAL: S/. 30.00
ESTUDIANTES Y JUBILADOS: S/. 20.00
Informes y entradas: eltuetanoteatro@gmail.com

CONTACTO
Andrea Valdivia G. / 963648499
Productora Ejecutiva de la obra

Reestreno: ASTRONAUTAS


Versión 2018

Presenta el Centro Cultural de la Universidad del Pacífico
De Jorge Castro, Mateo Chiarella, Héctor Gálvez, Gino Luque, Gerardo Ruiz Miñán
Dirigida por Jorge Castro

La obra se estrenará el sábado 21 de abril en el Teatro de la Universidad del Pacífico.
Las entradas se encuentran a la venta en Teleticket desde el 06 de marzo.

Astronautas, escrita por Jorge Castro, Mateo Chiarella, Héctor Gálvez, Gino Luque, Gerardo Ruiz Miñán y dirigida por Jorge Castro, es la primera obra para adultos de la temporada 2018 del Teatro de la Universidad del Pacífico. La presente es la versión actual de la obra estrenada en el año 2011 en el MALI.

En 1968, luego de proclamarse Presidente del Perú mediante un Golpe de Estado, el general Velasco Alvarado decide realizar la más grande proeza nacional: mandar al espacio a tres astronautas peruanos para que sean los primeros en pisar suelo lunar.

Un Comando del Ejército, un Capitán FAP y un matemático astrónomo son los elegidos para llevar a cabo la misión en tiempo récord. A pesar de no contar con los medios necesarios, son lanzados en el Tumi II en una aventura que los confronta con la necesidad de funcionar como equipo.

La obra cuenta con las actuaciones de Eduardo Camino, Manuel Gold y Óscar Meza. El estreno es el sábado 21 de abril a las 8:30 p.m. en el Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María. Las entradas están a la venta en Teleticket desde el 06 de marzo.

INFORMACIÓN IMPORTANTE
Estreno: sábado 21 de abril de 2018.
Temporada: del sábado 21 de abril al lunes 28 de mayo de 2018.
Días de función: jueves, viernes, sábados y lunes a las 8:30 p. m. / domingos a las 7:00 p. m.
Lugar: Teatro de la Universidad del Pacífico, ubicado en Jr. Sánchez Cerro 2121, Jesús María.
Venta de entradas: Teleticket de Wong y Metro, y los días de función en la boletería del teatro.
Inicio de preventa: martes 06 de marzo.

PRECIOS DE ENTRADAS Y PROMOCIONES:
Entrada general: S/. 50.00
Estudiantes y jubilados: S/. 25.00
Lunes populares: S/. 35.00

Para mayor información, contactarse con:
Carla Revilla | 971448388| carlarevilla@gmail.com

martes, 17 de abril de 2018

Crítica: JUAN SIN MIEDO


El hombre que conoció el miedo

“Juan Sin Miedo” es una puesta en escena inspirada en el personaje del mismo nombre en los cuentos clásicos de los hermanos Grimm; la obra es producto de una adaptación de la dramaturga y poeta peruana Gimena Vartu para la Asociación Cultural Camisa de Fuerza y está dirigida por Willy Gutiérrez. Los actores principales son Ernesto Ayala, Katya Castro, José Antonio Curotto, Luis García y Karen Martínez.

La obra empieza con la audiencia llenando casi en su totalidad los asientos del Auditorio Dai Hall del Centro Cultural Peruano Japonés y compuesta principalmente por familias enteras; un mimo inicia el espectáculo invitando a los niños, mediante juegos de palabra, a pedirles a sus padres apagar sus celulares previa la presentación. Es interesante el esfuerzo de la asociación para montar la escenografía para un ambiente que no es del todo un teatro a tiempo completo, pues se trata de un espacio usado como auditorio en la cual no se cuenta, por ejemplo, con un telón. A pesar de ello, los elementos y objetos incorporados en el escenario recrean a la perfección un ambiente bucólico-medieval, propio de las historias de los hermanos Grimm.

Luis García interpreta al personaje principal de Juan Sin Miedo, un chico cuya personalidad resaltante es la de no atemorizarse ante ninguna circunstancia y por lo tanto, le es imposible sentir el miedo. La obra es una serie de circunstancias en las que el personaje atraviesa una serie de situaciones, a veces irónicas y otras veces críticas, en las que nunca se inmuta ni siquiera ante el peligro de la muerte. Las actuaciones son creíbles y al fiel estilo de Camisa de Fuerza, se fuerza mucho el humor y la interacción con los niños. Los juegos de luces son modestos. Los niños intervienen mediante sus gritos en todo momento, en especial, en escenas en las que sienten que a Juan le puede suceder algo malo. Los actores interpretan varios personajes sin dejar en el espectador la sensación de desasosiego por el cambio evidente y los vestuarios han sido bien trabajados desde el punto de vista del color y la calidad.

La temática de la acción dramática nunca llega a incomodar, pues siempre Juan tiene que enfrentarse a situaciones nuevas, pero el giro que toma la historia al final es realmente inesperado para la audiencia: consigue tener miedo, miedo al amor. Es realmente un desenlace que emociona al público. Estos finales inesperados y poco “predecibles” son una marca de las obras de la asociación cuya obra a inicios de año, “Pinocho en el Circo” tuvo un final parecido: la compasión como valor universal.

Enrique Pacheco
17 de abril de 2018

Crítica: EL NIÑO DE JUNTO AL CIELO


Un cielo de inocencia

“El niño de junto al cielo” es una obra del escritor peruano Enrique Congrains, bajo la dirección de Carmen Armas y la adaptación del grupo EnEscena Teatro. Las actuaciones están a cargo de Carlos Garazatúa (y además, director del grupo teatral) como el niño protagonista Esteban, así como de Elizabeth Sánchez, Leo Rodríguez y Mijahil Arana.

Las puertas del teatro se abren puntualmente a las cuatro de la tarde y piden a los asistentes formarse en fila para organizar mejor el ingreso. El público no es mucho por tratarse de un día feriado, pero se compone de familias enteras de padres e hijos. La espera se da en un ambiente musical muy alegre, compuesto de canciones criollas y un huayno, dando a entender que la obra giraría en torno a Lima y la migración.

La obra en general es sucinta, pero con gran contenido y la temática principal es la inocencia del niño Esteban, un migrante que vino desde su ciudad Tarma a vivir en la ciudad “del millón de cabezas”, al cerro del Agustino en Lima. Su madre, símbolo de amor y tenacidad frente a la adversidad, tratará de proteger a su hijo de las maldades de una urbe en donde la ternura e inocencia de un niño no son apreciadas, sino más bien aprovechas.

La escenografía es sencilla, no cuenta con muchos elementos, más que una silla y mesas de comer que simulan la vivienda de Esteban; por otro lado, el vestuario sí que es cuidado y es evidente el esmero del grupo de teatro en aproximarlo a los de una Lima de mediados de los años 50 o 60. Tanto Esteban como su madre, muchas veces, bajan desde el escenario y no pierden el sentido de la cuarta pared teatral. Las actuaciones son buenas y creíbles, sobre todo por las expresiones faciales de Esteban y el uso de un humor particular en algunas escenas. Existen varios juegos de palabras o una simulación de persecución que genera muchas risas entre todos los espectadores. Una actriz, a lo largo de la obra, es la voz de la conciencia de los personajes y guía al público sobre las diferentes situaciones y transformaciones emocionales por las que ellos atraviesan, especialmente madre e hijo.

Sin embargo, el final de la historia da un giro desgarrador para el público que queda en silencio: es la tragedia de Esteban, el niño cuya ternura es traicionada por la maldad de una amistad engañosa. La iluminación es modesta, pero necesaria y no exagerada. La despedida de los actores es sencillamente única, pues no solo se despiden, sino que lo hacen personalmente y agradecen a cada uno de los espectadores su asistencia a la función.

“El niño de junto al cielo” se está presentando en una muy breve temporada este mes de abril, los días 21 y 22 a las 4pm en la Asociación de Artistas Aficionados (Jr. Ica 323, Centro Histórico de Lima). Es importante mostrar nuestro reconocimiento a Carlos Garazatúa, quien al final de la presentación muestra un agradecimiento a mi persona por parte de Oficio Crítico, por haber venido a apreciar su obra.

Enrique Pacheco
17 de abril de 2018

lunes, 16 de abril de 2018

Colaboración especial: CUER2 TEATRO


Entrevista con Roberto Sánchez-Piérola Vega

Dramaturgo y director de CUER2 Teatro
Ejemplo de teatro independiente y exploración continua de la forma desde hace 18 años

La Casa de la Literatura Peruana ha acogido tres propuestas de CUER2: el taller interdisciplinario “Materialidad de la escritura en el espacio”, del sábado 7 de marzo hasta la muestra del sábado 7 de abril; el estreno de la obra “Encuentro con Quién”, que va todos los domingos de abril a las  7.30, bajo la modalidad  de entrada libre; y la “Escuela de Espectadores”, que empieza a desarrollarse en las fechas 15 y 29 de abril, 13 y 27 de mayo,  10 y 24 de junio en la Casa de la Literatura.

He podido experimentar una interesante entrevista con el director y fundador de CUER2. Roberto nos comenta las etapas por las que ha pasado este grupo y sus evoluciones en la búsqueda de otros lenguajes:

“La maestría que hice en Londres me dio la oportunidad de tomar distancia para mirar el proceso de CUER2 y así entenderlo de otra manera. Ahora me coloco de otro modo en mi hacer presente y futuro. En el 2018, CUER2 está entrando a su tercera etapa.”

Nos cuenta un poco de las etapas por las que ha pasado CUER2: “La primera, comprende desde la fundación en 1999 hasta el año 2012. En esa etapa, el ideal era formar un grupo estable y permanente que vaya capitalizando los aprendizajes de los procesos creativos y de investigación.

La segunda etapa supera los entrenamientos colectivos y procesos grupales de formación continua. Va desde el 2012 hasta el presente, y se cierra con las funciones de esta última obra, “Encuentro con Quién”. Con ella concluyen los procesos modernos (unitarios, completos, cerrados, autónomos) de creación de obras. CUER2 culmina esta segunda etapa redefinido como un proyecto artístico abierto, un modo de hacer y concebir el teatro a partir del encuentro.

Explica cómo el taller de la “Materialidad de la escritura en el espacio” es un primer momento del proyecto “Escritura, Espacio y Poder”, y así se abre la tercera etapa.

CUER2 la inicia asumido como lo que siempre ha sido: un lugar de confluencia para el desarrollo de procesos de investigación teatral rigurosos, que responden a su contexto de manera creativa, y en los que el eje central es la búsqueda de lenguajes teatrales eficientes. A partir de la estimulación de la imaginación del otro, buscan los modos para hacer que los imaginarios personales se manifiesten y se pongan en juego en relación con el imaginario colectivo. En ese sentido, los tiempos propician modos de creación postmodernos, abiertos y rizomáticos, así como exploraciones interdisciplinarias, para CUER2, expandiendo sus horizontes en sus desafíos y cuestionamientos.

La pregunta por la relación entre la escritura y el espacio surge con la materialidad del espacio, en el caso particular del taller, la casa de la Literatura Peruana y algunos espacios en la estación Desamparados fueron la sede de esta exploración". Según el director: "Estos pedían ser habitados y fueron respondidos desde un consciente encuentro con estos.”

Para ello, CUER2 lanzó una convocatoria abierta artistas, con experiencia en diferentes disciplinas, para investigar formas de escribir en estos espacios. Con este taller empieza un modo diferente no sólo de concebir una propuesta teatral, sino también los procesos creativos. En este caso, se investigó lo teatral como puesta en escena de una escritura. Actuar implicaba escribir.

Nos cuenta más sobre los principios en la exploración dentro del taller:

“El taller ha girado en torno a tres ejes. El primero: explorar los límites de lo que se puede entender por escritura. El segundo: aprender a escuchar el espacio a intervenir para poder responderle. El tercero: experimentar con diferentes materiales para escribir en el espacio.”

Así se articula el punto de partida para la nueva exploración de CUER2, que gira en torno a la escritura, el espacio y el poder. La investigación empieza ejercitando y probando las formas con las cuales se trabajará ciertas inquietudes. “Tengo proyectado hacer un segundo taller abierto dedicado al territorio y el poder, en el cual se aplicarán las herramientas desarrolladas en el primero. Pero, entre taller y taller, la idea es ir desarrollando las investigaciones iniciadas en el anterior. Mis intereses como artista son actualmente estos asuntos, inspirados por la Casa de la Literatura Peruana y enmarcados en un contexto sociopolítico global en que las relaciones entre escritura, espacio y poder parecen ser determinantes para el futuro de las comunidades culturales. La naturaleza de estas relaciones exige entonces procesos creativos ad hoc  y propicia la puesta a prueba de mis búsquedas formales tanto en el plano del desarrollo de materiales escénicos (transmutaciones) como en el plano de su dirección y composición (periformación). Esta última me interesa particularmente en tanto que plantea un tipo de relación con el receptor de la obra basada en la estimulación de la imaginación, poniendo en juego la función transformadora del arte.”

“Encuentro con Quién”, con dirección de Roberto Sanchéz- Piérola Vega. Actuación de Roly Dávila y música en vivo de Caleb Ríos.

Sobre la nueva obra y tránsito a esta etapa en CUER2, nos explica que los puntos de partida de CUER2 han sido siempre las búsquedas formales en torno a diversas técnicas teatrales. En este caso, nos comenta, el director estaba interesado en probar los límites de un concepto clave en la poética de CUER2: la disindividuación, el cuestionamiento sobre el estatuto del individuo. Encontrando a este, por definición como aquel que no se puede dividir, la búsqueda se ha orientado hacia el sujeto dividido, escindido y múltiple. En línea con los reclamos de Artaud, deja de lado la psicología para buscar cuerpos significantes.

Roberto señala: “Mis obras no presentan personajes a la manera convencional, sino más bien “figuras”, una instancia que supera la psicología individual para abordar las otras capas sintetizan la complejidad de los seres humanos. No son personajes  psicológicos los que me interesan, sino las formas en que los cuerpos muestran los efectos de contextos mayores. A partir de mundos ficticios se ilumina nuestra relación con la realidad, ya sea cuestionándola o planteando otras alternativas.

“La disindividuación, entonces, investiga los diferentes modos en que un actor puede trabajar en escena; por ejemplo, por medio del sincretismo (varios actores representan a un mismo personaje), la desmultiplicación (un actor representa varios personajes), representando arquetipos, etc. Todo esto implica la “desaparición” del actor en escena para  dar prioridad a la acción.

En el caso de "Encuentro con Quién", el actor explora diferentes modos de componer los cuerpos de las figuras a partir de piezas de vestuario, utilería y máscaras-objeto creadas ad hoc para esta puesta. Se convierte en narrador y titiritero siempre visible, pero ya no solo al servicio de una historia de terceros, sino que es su propia historia la que intenta contar, una en la cual él mismo está involucrado, y para la cual tiene que ir asumiendo sucesivamente una serie de transformaciones. De ahí surge el tema de la memoria como pilar de la obra: la historia que se intenta narrar está también en construcción, así como los cuerpos que la habitan. Cuerpos que asumen diferentes formas, dependiendo del cronotopo en que se coloquen al tratar de recordar.”

CUER2 sigue en la Casa de la Literatura y quedan un par de domingos (22 y 29 de abril a las 7.30 pm. con entrada liberada) para ser testigos de esta obra, “Encuentro con Quién”, con la que culmina una segunda etapa de exploración.

Para conocer más sobre esta última obra, los invito a que accedan a un interesante análisis sobre esta: “Encuentro con Quién”, publicada en la revista virtual de arte y literatura: MOLOK, escrita por Javier Torres Marruffo:

Además, estemos atentos de la convocatoria para el segundo taller abierto (en la página de la Casa de la Literatura Peruana), donde se trabajará desde el actual proceso creativo.

Al finalizar la temporada, estarán ofreciendo funciones privadas a domicilio, que los interesados podrán llevar teatro a su casa para compartirlo con amigos en el momento que deseen. Contactar a cuer2.info@gmail.com

Además, están ofreciendo diversos talleres de “dramaturgia”, “confección de máscaras” y “coaching de actuación”, a la medida de las necesidades de los interesados. 

Para mayor información sobre los talleres y otras actividades de CUER2 en la página web: http://cuer2info.wixsite.com/cuer2 y en facebook  https://www.facebook.com/CUER2 . Y, por supuesto, no olviden asistir a la Escuela de Espectadores, en la Casa de la Literatura, una gran oportunidad de adquirir más herramientas para apreciar y disfrutar de todo tipo de teatro. Se abordan diferentes aspectos del teatro y se aplican para analizar las obras de la cartelera local,  de manera didáctica y amena.
http://www.casadelaliteratura.gob.pe/?p=26992

Kiara Jossilú Castro Béjar
16 de abrl de 2018

Estreno: MUJERES EN CRISIS


EN EL CAFAE-SE DE SAN ISIDRO

¡ATREVETE A CONOCER LAS HISTORIAS DE ESTAS 4 MUJERES QUE TE MANDARAN DERECHO AL DIVAN DEL PSIQUIATRA!

Puesta teatral se estrena va todo el mes de abril y mayo en el Centro Cultural CAFAE-SE de San Isidro, cuenta cuatro historias de mujeres, de amor y locura, que te harán pensar seriamente en ir a un siquiatra.

La escritora y abogada Helen Hesse hace su incursión en la dramaturgia y estrena este martes 17 de abril en Centro Cultural CAFAE (Av. Arequipa 2985, San Isidro) la obra ‘4 mujeres en crisis’, a las 8:00 pm, temporada que se extenderá hasta el 25 de mayo. “La obra surge con la premisa de ¿qué pasaría si las mujeres dijéramos lo que pensáramos sin tapujos, sin las restricciones sociales?, fue así que nacen estás 4 historias de mujeres que están atravesando un momento crítico es un vida. El proceso creativo fue complejo porque requirió de mi parte una sinceridad a rajatabla que me llevó a psicoanalizarme para que estos personajes sean lo más reales posibles. Fue una experiencia bien kafkiana que de hecho volvería a repetir”, comentó Helen Hesse.

SINOPSIS DE LA HISTORIA:
Lima amanece con un gran panel publicitario donde se promociona la llegada a la ciudad de una controvertida escritora que presentará su último libro: MUJERES EN CRISIS. Galia, Fernanda, Fabiola y Frida que por casualidad pasaban por allí, comienzan a comentar si es que ¿Es verdad que las mujeres están en crisis?, en ese hilo conductor se van mostrando la vida de estas 4 mujeres que están viviendo un momento crítico de sus vidas y en dónde además cada una debe de tomar una decisión.

‘4 Mujeres en crisis’ es un conjunto de historias que relata las vivencias de 4 personajes femeninos, mostrando cada aspecto de ellas y su relación con las personas que las rodean. Dirigida por Américo Zúñiga y protagonizada por Milagros López Arias, Jhuliana Acuña, María Elena Acuña, Daniel Orbegoso y Rubén Bardales.

DATOS:
Fechas: 20 y 27 de abril - 8:00 pm / 04, 11, 18 y 25 de mayo - 8:00 pm.
Lugar: Centro Cultural CAFAE-SE (Av. Arequipa 2985, San Isidro)
Y en TU ENTRADA DE PLAZA VEA Y METRO.

ELENCO (EN CRISIS):
Milagros López Arias interpreta a Fabiola (Fabiola y Andrés) y a Galia (TDAH)
María Elena Acuña interpreta a Fernanda (El secreto de mi éxito) y a la Dra. Saico (TDAH)
Jhuliana Acuña interpreta a Frida (Demon Lover) y a Molly (El secreto de mi éxito)
Daniel Orbegoso interpreta a Zeta (TDAH) y a Andrés (Fabiola y Andrés)
Rubén Bardales interpreta a Gabo (Demon Lover) y al Esbirro (El secreto de mi éxito)

EQUIPO CREATIVO (EN CRISIS):
Dramaturgia: Helen Hesse
Dirección: Américo Zúñiga
Asistente de Dirección: María Elena Acuña
Fotografía de ensayos y montaje: Alfredo Benálcazar
Diseño creativo: Lucho Rossell
Psicóloga: Dra. María del Carmen Frisancho
Prensa: Edwin Cavello/Helen Hesse
Community Manager: Lucho Rossell
Estrategia comercial y corporativa: LEGAL CORP SAC (www.legalcorp.pe)
Producción General: HH PRODUCCIONES.