viernes, 16 de febrero de 2018

Entrevista: MANUEL CALDERÓN

“Tenemos que recuperar a nuestro ser poético”

Esperando a Godot (2017) de Samuel Beckett fue una de las temporadas de teatro clásico del absurdo más celebradas por publico y critica el año pasado, consiguiendo el premio de la encuesta de Oficio Crítico al Mejor actor para Manuel Calderón, quien cumple 31 años de actividad artística. “Le dimos un vuelo diferente a nuestra propuesta”, menciona en referencia a la puesta dirigida por Omar Del Águila. “Teníamos que jugar con otras dinámicas más inmediatas, en darle a la espera una actividad, que no quede como espacio vacío”. Manuel reconoce que como actor a veces es “absurdo”, pero que como profesor sí tiene todo estructurado. “Es la primera vez que hago teatro del absurdo, lo único que hice antes en ese rubro fue dirigir una obra de Sergio Arrau, Balseando con Edelmira (2001), que tenía mucho de ese estilo, para el primer festival de teatro del ICPNA”.

Los inicios en el arte

“En el colegio hice teatro en Secundaria, pero yo ubico mi inicio formal en 1987 en la carpa teatro del puente Santa Rosa”, recuerda Manuel, quien aceptó la convocatoria de Iván Olivares, en ese entonces profesor de psicología de academias pre-universitarias y alumno del Club de Teatro de Lima, para integrar el taller de su grupo llamado Constelación, en el referido espacio. “El alcalde Alfonso Barrantes facilitó este lugar (la carpa teatro) para gente de arte diverso, como teatro y danza para grupos independientes o “subtes”; un amigo me pasó la voz y entré a este taller, que en realidad fue un grupo de teatro básico”.

Ese mismo año, Manuel llega al Club de Teatro y conoce a su director, el señor Reynaldo D’Amore. “Fue mi maestro, mi padre putativo, al que quiero mucho; él me enseñó la pasión, la entrega, la disciplina y el compromiso con lo que haces; más allá de lo que se pueda decir del maestro, estaba comprometido con el teatro”. Fueron varios los profesores del Club que marcaron la vida profesional de Manuel. “De Sergio Arrau aprendí a jugar, a leer, a conocer y entender el teatro, pero él siempre relajándose y disfrutando”. Por otro lado, la profesora Eugenia Ende trabajó con Manuel a nivel del cuerpo; y Efraín Rajman, en la dirección de uno de los montajes más emblemáticos del Club, Heredarás el viento (1989). Gregor Díaz, también conocido por su producción dramática, dirigió a Manuel en el montaje que considera como el más relevante en su paso por el mencionado centro de estudios, Gregor vs Gregor (1988). “Rescato de Gregor su forma de decir lo que sentía, ya que todas sus obras tienen que ver con sus complejos, con su ser interior, con la relación que tenía con Lima como provinciano, él le puso una cuota social a su teatro”. 

Manuel termina de estudiar en el Club en 1989 y en el verano del año siguiente, lleva el curso de Pedagogía teatral con el señor D’Amore. “Me interesaba la docencia y Reynaldo tenía una gran sensibilidad para enseñar”, rememora. “Al terminar el curso, tuve con él charlas larguísimas, hasta que un día me dijo: ¿Quieres enseñar?, tengo un grupo de adolescentes, ¿quieres o no? Así empecé, dictando el curso de adolescentes y luego el Primer Año”. Posteriormente, Manuel se retiraría del Club y les cedería la posta a Paco Caparó y Pold Gastello, quienes actualmente se encuentran en la directiva del Club.

“En 1990, entro a la escuela de Quinta Rueda, en un taller intensivo de un año dictado por Ruth Escudero (mi madre putativa del teatro), y con compañeros como Elsa Oliveros, Carlos Mendoza, Patricia Riera y otros muchachos más”, recuerda Manuel. “Solo pagamos inscripción, ya que contábamos con auspicio; dimos examen de cuerpo, de voz, de actuación, de conocimientos y una entrevista personal”. Allí tuvo como profesores a Walter Zambrano, Ana Correa y Ruth Escudero. Con esta última, se abrió la Escuela de Quinta Rueda, que duró solo un par de años. “En 1993, gané una beca y viajé a Cuba a hacer un taller intensivo en la EITALC (Escuela Interamericana de Teatro para América Latina y el Caribe), y al año siguiente entro a trabajar en el Instituto Charles Chaplin hasta el 2008”. Manuel no solo continuó actuando, sino también dirigiendo, como la puesta en escena de Tartufo (1994), con versión de Roberto Cossa en la Alianza Francesa, con Paco Caparó, Giovanni Ciccia, Patricia Romero, Pold Gastello, Juan Carlos Díaz, entre otros. “También estudié e hice un taller con Alberto Isola como alumno y dos como asistente suyo; participé en  talleres con Integro, IMPRO con Francois Vallaeys y Clown en Pataclaun; además, estudié Pedagogía Teatral en la ENSAD, así como muchos otros cursos y talleres”. Aparte de siempre estar atento a los diferentes talleres para continuar reforzando su trabajo, Manuel ha trabajado con diferentes grupos de teatro , entre ellos, Cuatrotablas, bajo la dirección de su amigo Mario Delgado, y Teatro del Sol, con Bruno Ortiz, con quien también hizo la película Rehenes.

Los requisitos para actuar y dirigir

Para Manuel, un buen actor de teatro debe tener ciertas cualidades. “Tener compromiso y humildad en el trabajo, aceptar que si no te sale, no te sale; tú eres parte del teatro, el teatro no eres tú; además, tener sensibilidad, que es la intuición”. Afirma también que la técnica se aprende, pero la sensibilidad y la intuición recaen en el actor. “Para mí, el talento no existe, es un concepto más bien abstracto, se le llama así a un grupo de capacidades y destrezas que se encaminan al dominio para hacer algo, en todo caso, el talento es esa sensibilidad que viene contigo, la intuición”. Por otro lado, un buen director de teatro debe “tener sensibilidad para percibir y organizar, un buen manejo de grupo y además, conocimientos, cultura general”.

Manuel viene colaborando estrechamente con la Asociación de Artistas Aficionados (AAA); justamente, una de esas primeras obras fue El soplador de estrellas (2011) de Ricardo Talento. “Esa obra salió de la nada”, reconoce divertido. “En la AAA, estábamos un grupo de actores desocupados conversando y surge la posibilidad de hacer un taller laboratorio, fuimos quedando al final Yazmín Loayza, Ximena Arroyo y yo”. Un pedido para hacer una obra para Navidad para un evento, motivó que los tres prepararan la obra en cuestión. “Yazmín ya tenía esta obra para dos actores, ella dirigiría y Ximena actuaría conmigo; la hicimos para ese  evento, pero después nos dijimos que valía la pena ponerla en la AAA, en la calle y se volvió itinerante”. El soplador de estrellas participó en la Muestra Nacional de Teatro en Tacna y sigue presentándose de manera intermitente hasta la fecha.

Para Ximena Arroyo, Manuel solo tiene palabras de aprecio y admiración. “Con Ximena actuamos en El zoológico de cristal (1990), junto a su madre Sonia Seminario; desde entonces nos volvimos hermanos”. Posteriormente, en el 2004, coincidieron en el taller dictado por Isola. Y en 2011 sería dirigido por ella en Yerma… mujer que no se habita. “En todos los ámbitos, como directora de la AAA, compañera de tablas y directora teatral, hay una relación muy especial: nos queremos mucho, aunque a veces también chocamos, pero luego nos perdonamos”, admite. “Ximena es perfeccionista, además, nos comunicamos bien en escena y eso ha surgido naturalmente, hay empatía y sensibilidad el uno con el otro; cuando uno se pierde, el otro lo apoya”.

La importancia del arte

Manuel cita al filósofo Edgar Morin con respecto a la importancia del arte: “En nosotros coexisten dos seres, el del estado prosaico y el del estado poético; esos dos seres constituyen nuestro ser, son sus dos polaridades, necesarias una para la otra: si no hubiera prosa no habría poesía, el estado poético no se manifiesta como tal sino en relación con el estado prosaico”. Es decir, el ser humano es un ser poético al nacer, es puro y sensible, que valora las cosas simples. “Pero conforme crecemos nos volvemos prosaicos”, reflexiona Manuel. “Tenemos que sobrevivir, preocuparnos por el trabajo y la plata; nos hemos convertido demasiado en seres prosaicos y nos hemos olvidado del ser poético, el ser sensible, ese es el que tenemos que recuperar”. El arte, para Manuel, debe ser el ámbito en el que el ser poético se recupera, porque se recuperan la inocencia y la humildad, el ser primitivo. “Y esa es la gran misión con mis alumnos”, afirma. “El ser prosaico está bien, pero se debe buscar un equilibrio con su ser poético”.

Como actor, Manuel asegura tener una misión consigo mismo y con su entorno más cercano, que es el público que asiste al teatro. “También he hecho cine, este año se estrena una película que hice con Aldo Miyashiro llamada Sangra, Grita, Late; pero yo estoy muy relacionado con el teatro”. Manuel no busca darle al espectador un mensaje en sí, pero sí sensibilizarlo. “En su esencia más pura, el arte tiene funciones, como la de hacer que el público empiece a ver más allá, la de sintetizar aspectos de la realidad para que el público vaya a su casa con una reflexión, la de conectar a la gente con el mundo real”. Manuel tiene un proyecto de enseñanza teatral llamado CAUCE, al quiere dedicarse este año. “Es un espacio pedagógico de investigación teatral, todavía no físico, que busco promocionar; pero por el momento, estoy dedicado a la docencia en los talleres de la AAA y al curso de Teatro en el Colegio Antares para chicos con problemas de aprendizaje”, concluye.

Sergio Velarde
15 de febrero de 2018

jueves, 15 de febrero de 2018

Estreno: LIMA DE VERAS

Se presentará en el Centro Español del Perú

La pieza mezcla valses en vivo y es estelarizada por Reynaldo Arenas.
Funciones serán este 17 y 18 de febrero en el Centro Español del Perú.

Con el propósito de rescatar una visión de esperanza por sobre la adversidad y a la vez, fomentar el aprecio por nuestros valores culturales como ciudad,  se presenta la obra LIMA DE VERAS, escrita y dirigida por María Elena Mayurí, profesional de Artes Escénicas de la Pontificia Universidad Católica del Perú. La obra mezcla teatro y música criolla en vivo, y está compuesta por un gran elenco encabezado por el Primer Actor Nacional Reynaldo Arenas. La obra nos conduce a contrapuntos entre los años ochenta y los años cuarenta, tocando temas como la  dura realidad del terrorismo, las amplias brechas sociales, el empoderamiento de la mujer en la vida laboral y la amabilidad de una Lima antigua versus  las prisas de la Lima moderna, todo ello, enmarcado por un rico criollismo presente en su música y costumbres. 

La obra, divertida y dramática a la vez, se presentará en únicas funciones este sábado 17 y domingo 18 de febrero en el teatro Federico García Lorca del Centro Español del Perú, a las ocho de la noche.  Las entradas se pondrán a la venta en la misma boletería del teatro, dos horas antes de cada función. El elenco completo está integrado por: Reynaldo Arenas, Onasis Toro, Carlos Garazatúa, Pilar Astete, Freddy Ochoa, Claudia Burga, Frank Agurto y la propia autora. La música en vivo serán conocidos valses peruanos ejecutados a guitarra y cajón a cargo del dueto criollo “Destila Perú”, integrado por Milton Zevallos y Juan Pablo Mayurí.

Sinopsis: “Lima de Veras”
Son las fiestas patrias de 1986, en medio de una Lima resquebrajada por los toques de queda y coches bomba, Augusto se reúne en un bar con su amigo Gustavo para “celebrar” su inminente divorcio, sin embargo, no será por falta de amor. A unas cuadras, Mercedes, su mujer, empaca sus cosas, apoyada por su amiga Valeria, tratando de despedir “así nomás y sin lucharla”, varios años de felicidad. Entre estos hechos,  la ciudad,  como sus corazones,  se queda sin luz una vez más.  En contraste, un viejo abogado asiduo al  bar, Luis Enrique, recuerda con nostalgia el inmenso amor por Mechita, su mujer, y de pasada, recuerdos de una Lima muy distinta, donde sí se luchaba por el amor y donde no había violencia, animando a Augusto a cuestionar su decisión.

Contactos entrevistas: 98912888 (Juan José Ramírez, Productor)
993867415 /María Elena Mayurí

miércoles, 14 de febrero de 2018

Estreno: LOS FABULATAS 2 Y LA MÁQUINA LEGENDARIA

¡Vuelven con más aventuras!

Comandados por Hubert (Manuel Gold), Clora (Jely Reátegui), María Belén (Patricia Barreto), Percy (César García) y el Sr. F (Rodrigo Zalles). Con la dirección de Paloma Reyes de Sá y la producción de Pamela Stewart.

Desde el 17 de marzo, los sábados y domingos a las 3 y 30 de la tarde en el teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional, de San Borja.

¡Los Fabulatas vuelven con más aventuras! “Los Fabulatas 2 y la máquina legendaria” se presentará, desde el 17 de marzo del 2018, los sábados y domingos a las 3 y 30 de la tarde en el teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional, de San Borja.

El club de Los Fabulatas creará una máquina que llevará a sus integrantes a conocer el origen del universo, de los dioses de la India, Brahma y Maya, y la importancia del martillo de Thor; le devolverán la sonrisa a la diosa japonesa Amaterasu; y verán cómo Medusa, monstruo mitológico griego, se transforma en piedra.

Los Fabulatas, comandados por Hubert (Manuel Gold), Clora (Jely Reátegui), María Belén (Patricia Barreto), Percy (César García) y el Sr. F (Rodrigo Zalles), es una puesta en escena familiar, con participación directa de los asistentes, de adaptaciones libres de fábulas, mitos y leyendas de culturas alrededor del planeta.

Este es el tercer espectáculo conceptualizado por la dupla Paloma Reyes de Sá (directora) y Pamela Stewart (productora). La búsqueda luego de “Esto es Magia” y “Los Fabulatas”, es crear conciencia en el público respecto a que todas las cosas pueden ser transformadas, incluso uno mismo. Y todo esto con la ayuda de objetos reciclados, reusados, la imaginación y muchas ganas de jugar. Se busca que, a la par de esta experiencia teatral, la familia utilice las herramientas que son colocadas en escena para que exploren en casa la creatividad, el gusto por la lectura y el placer por descubrir el mundo.

Antes empezar el espectáculo, los niños y sus padres colaborarán con la historia, armando objetos con materiales reciclados que los actores usarán en el escenario para contar los cuentos. La imaginación de todos los presentes contribuye con el tema que se tratará sobre las tablas. “Los Fabulatas 2 y la máquina legendaria” va desde el 17 de marzo al 13 de mayo del 2018, los sábados y domingos a las 3 y 30 de la tarde en el teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional (Avenida De La Poesía 160 - San Borja).

Las entradas están a la venta en Entradas en Teleticket.

LOS FABULATAS 2 Y LA MÁQUINA LEGENDARIA
Teatro Auditorio Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional
Del 17 de marzo al 13 de mayo
Sábados y Domingos 3:30 p.m.

Entradas en Teleticket
Pre venta Platea adulto: S/. 34.00
Pre venta Platea niño: S/. 22.00
Platea general: S/. 44.00
Platea niño: S/. 27.00
Combo 1 Platea: S/. 121.00 *** Promoción para 2 adultos y 2 niños
Combo 2 Platea: S/. 154.00 *** Promoción para 2 adultos y 4 niños
Mezanine general: S/. 34.00
Mezanine niño: S/. 22.00

Reestreno: ME TOCA SER EL NENE ESTA NOCHE

Escrita y dirigida por Cristian Lévano

Una obra que nos cuenta sobre el verdadero valor de la amistad rescatando temas como la discriminación y la violencia ejercida contra las minorías de una manera cercana.

Del 09 de marzo al 01 de abril
viernes y sábados 8:00p.m. - domingos 7:00p.m.
Teatro de la AAA (Jr. Ica 323, Lima)
Boletería: S/.25 (entrada general) y S/.15 (estudiantes).

ME TOCA SER EL NENE ESTA NOCHE es una historia que muestra de una manera surrealista y cruel una realidad que nos afecta a todos, pero a la que aún no ponemos alto en nuestra sociedad. Tocado temas como la violencia infantil, violación, feminicidio, etc.

La obra se desarrolla en un sótano donde encontramos a dos pícaros personajes que subsisten dentro del misterio de no poder salir de ese lugar o no querer hacerlo, teniendo encuentros con otros dos personajes femeninos que harán notar y dar sentido a lo que está sucediendo con ellos. En esta divertida travesía conocerán el valor de la amistad y la fortaleza de poder superar los problemas juntos.

Actúan Sergio Ota, Herbert Corimanya, Kelly Estrada y Alejandra Chávez. La temporada va desde el 09 de marzo hasta el 01 de abril los viernes y sábados a las 8:00 p.m y domingos a las 7:00 p.m. en el Teatro de la AAA (Jr. Ica 323, Lima). Entradas a la venta en acwiaray@gmail.com o en el mismo Teatro una hora antes de funciones a S/.25 (entrada general) y S/.15 (estudiantes).

Sobre el director
Es actor egresado de la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático ENSAD, funda el grupo WINARAY, escribe y estrena 6 de sus obras en los años continuos a la fundación, entre las más destacadas la primera producción Winaray : “¿Qué hiciste Diego Diaz?”. Ha participado en diversos festivales internacionales en Ecuador, Chile y Colombia con obras bajo su dirección. En televisión actuó en miniseries para “Del Barrio Producciones” escribió y dirigió la exitosa obra musical “Mi amor el wachiman” para la misma productora. Escribió y dirigió el cortometraje “Los 4 jinetes del eucalipto” el cual participo en el 19 ° Festival de cine de Lima.

martes, 13 de febrero de 2018

Entrevista: PALOMA REYES DE SÁ

“Descubrir el payaso dentro de ti es transformador”

“He encontrado un grupo de gente increíble para trabajar”, nos comenta la artista brasilera Paloma Reyes de Sá, ganadora del premio del jurado de Oficio Crítico por su trabajo de dirección en Armando equipaje (2017), en compañía de Carol Hernández. El sólido elenco que ha venido acompañando a Paloma en sus aventuras teatrales, entre quienes se encuentran Manuel Gold, Cesar García, Jely Reátegui  y Fiorella Kollmann, por citar algunos, le ha permitido dirigir un puñado de puestas en escena tan divertidas como interesantes, como Los Fabulatas (2013) y sus posteriores reestrenos;  el unipersonal Mi nombre es 23 (2015); o Casi Don Quijote (2016). “Es gente demasiado creativa, apasionada, con la que tengo mucha afinidad no solo en ideología, sino también en cómo nos manejamos en el humor”.

Inicio en Rio

Desde muy pequeña, Paloma se interesó por el teatro, especialmente teniendo como padres a dos artistas plásticos y además, actores callejeros. “Conviví desde siempre con el mundo del arte y la música”. A diferencia de nuestros colegios, en Rio de Janeiro el teatro sí es una materia importante, especialmente en escuelas alternativas. “No pensaba que iba a ser profesional de teatro”, recuerda Paloma. “Pero me dejaba con mucha ilusión, porque era una persona muy tímida; ser otra persona me daba múltiples posibilidades”. Ella admite que no tenía muchos amigos, pero sí muchos miedos y vergüenza. “El teatro me abrió posibilidades de hacer cosas nuevas, de conocer gente, de sentirme más cómoda conmigo misma”.

A los 13 años, en 1991, Paloma decide profesionalizarse y llevó un curso mucho más intenso y más profesional. “Mi vida de colegio fue una locura, yo lo dejé por el teatro, después tuve que regresar para completar mis estudios”, rememora. Su madre siempre la apoyaba, pero no precisamente para que deje el colegio. “Fue una cosa radical mía; pero después empiezo la carrera profesional de teatro en la Casa das Artes de Laranjeiras en Rio de Janeiro”.  En el mencionado centro de estudios, Paloma afina su creatividad en el arte, especialmente en base al trabajo del clown, además de cultivar su gusto musical, que perdura hasta ahora en sus montajes como directora.

Beneficios de la música, el clown y a improvisación

“Para un actor es muy importante el tener nociones  de música”, menciona Paloma. “El teatro es ritmo,  vive de un pulso; si el actor no entiende ese pulso, entonces es difícil que encaje”. Entender la pulsación de las escenas conscientemente es, para Paloma, un requisito básico. “Cuando marco a un actor sin habilidad musical es más “titireteado”; en cambio el otro, entiende mejor la comedia. La comedia es romper ritmos, el timing es muy importante”. Paloma viene de una formación especializada en clown en Brasil, ya que es obligatorio: si te formas como actor casi siempre te formas como clown. “Ahí  fue que elegí ser payasa para siempre, mi primer maestro Thierry Tremouroux fue el que me encaminó en aquella época: el humor es donde me sentí más plena”. El clown es visto por Paloma como el punto de partida del humor; es muy esencial, ya que es entrar en contacto con la verdad del actor. “Ahí es donde conoces tu fragilidad, tu inocencia y donde rompes tus esquemas limitantes; el humor para mí lo es todo, por eso todos mis espectáculos son de humor”.

Por otro lado, Paloma considera a la improvisación como parte importante del proceso creativo. “Desde que empecé a dirigir, con Mi querida neurosis (2008) con Fiorella Kollmann, las escenas las armábamos en base a la improvisación, y después empezábamos a fijar para ver qué es lo que valía la pena”. Para Paloma, el mundo absurdo del payaso puede llegar a ser “muy pastrulo, si no lo cuadras, porque entonces nadie entiende; hay que revisar siempre”. Y es que Paloma, como directora, cree mucho en la impro, afianzando las escenas y situaciones, fijando lo improvisado en los ensayos. “Salvo en espectáculos como Armando equipaje, en el que hay momentos ya pactados para ser básicamente improvisación”.

Paloma recomienda que todo actor debiera llevar talleres de clown e improvisación, debido a los múltiples beneficios que traen estas disciplinas. “El payaso es un ser vivo dentro de ti y  descubrirlo es transformador”, analiza. “Es maravilloso aceptar tu ridículo como persona, descubrir cuáles son tus neurosis, tus miedos más profundos o tus sueños, y luego exponerlos dentro del personaje”. Esta técnica permite múltiples rangos de actuación, ya que se está en un estado de juego, que es el más genuino con el que se puede estar en escena. “Si lo entiendes, lo puedes trasladar a cualquier personaje, te deja pulsando en escena, y el público dice: ¡Eso es real!, porque el actor está en estado de trance, en el estado del payaso”. En contraste, la improvisación es el estado de libertad plena del actor. “Todo el mundo  hace impro; por ejemplo, si vas a leer un texto por primera vez, ya estás improvisando una forma de hablar. Crear es improvisar. Investigar esta técnica y utilizarla hace que crezcas como artista”.

Actuación, dirección y dramaturgia

“Un buen actor de teatro debe tener pasión, disciplina y divertirse con lo que hace”, asegura Paloma. Agrega además, que ella no cree en el talento. “La disciplina y la pasión hacen el talento,  son dos ingredientes infaltables. La pasión hace que el actor tenga disciplina, que investigue, que sea puntual, que respete, que vuelva a intentar; en cambio, uno con talento y sin disciplina, no hace caso, llega tarde, y no vale”. Como directora, Paloma se autodefine caótica, pero esperaría de un director que la provoque, que sea apasionado y que literalmente, la alimente con su pasión. “Quiero que me rete, que sea loco, tiene que tener un poco de locura”.

Paloma afirma vivir en el mundo al revés, como directora, ya que en su mundo del payaso, nunca sabe nada de las escenas cuando empieza a dirigir un espectáculo. “Yo tengo una idea base, por ejemplo, hacemos el Quijote con actores que van a ser fracasados y no van a lograr hacer la historia; también me gustaría tener un tren, ¿por qué?, no tengo idea (ríe), se me vienen ideas sueltas y yo armo el rompecabezas”. Ese es el punto de partida y lo demás, Paloma lo trabaja en conjunto. “Creo que el trabajo en equipo y creación colectiva hacen que el montaje sea más genuino y verdadero, sembrando con semillas que los actores aportan y así va creciendo un árbol de mezclas con todos los sabores”. Obviamente, después de ese proceso creativo, llega el momento más duro para Paloma, que es el de eliminar cosas, ya que puede tener espectáculos de cinco horas. “Entras a limpiar y buscar pepitas de oro de la creación y se va acomodando y armando”.

La reciente polémica sobre el final cambiado de la ópera Carmen mereció la siguiente opinión de Paloma: “Puedes coger Carmen y hacer lo que quieras, es del dominio público”. Ella recuerda haber hecho un video de 5 minutos de Carmen, dentro de una secuencia para niños en programa de televisión en el Perú. “Se llamaba Ópera prima, con óperas transformadas en clown; nadie se picó, ¿entiendes? (ríe); ahora, si solo cambió el final para ser políticamente correcto, es su decisión, está experimentando y es chévere que quiera transformar el mundo”. Paloma ha adaptado cuentos, relatos y mitos antiguos que todos conocen para sus puestas en escena. "Transformo los personajes para que comuniquen lo que queremos comunicar, como una herramienta, y porque es divertido: yo hago parodia, que es la adaptación de las cosas”. Por su parte, Paloma asegura no molestarse si otros artistas cambian sus espectáculos ya escritos. “No creo que  me vaya a picar si me los cambian, sería ridículo en mi caso”.

La elección del artista

En épocas tan difíciles como las que nos toca vivir actualmente, el arte debería servir como un ente transformador en el público, para que sea mejor cada día. “Pero la responsabilidad es para quien la quiera tener, no es algo obligado, yo no juzgo”, reflexiona Paloma. “En mis obras siempre vas a ver algo de transformación social, porque eso es parte de mí”. Desde niña, Paloma ha sido políticamente muy consciente, al igual que sus padres. “Es parte de lo que yo quiero sembrar en el mundo; si en un momento ya no lo quiero hacer, pues no siento esa responsabilidad; yo lo hago porque es parte de mi personalidad”. Y es que así lo podemos apreciar en sus montajes: en Casi Don Quijote, los personajes son discriminados porque son diferentes; en Los Fabulatas se habla muchísimo de reciclar, de cómo jugar de manera que no sea dañino para el medo ambiente. “Yo fui voluntaria en Greenpeace a los 13 años, lo que me importa yo lo pongo en mis espectáculos”.

Paloma menciona que sus proyectos para este año serán un montón de reposiciones. “Para descansar mi cerebro un ratito (ríe), pero sí tengo un proyecto nuevo, que no es teatro, con Saskia Bernaola”. Los Fabulatas 2 y la Máquina Legendaria se estrenará en marzo; Casi Don Quijote volverá en setiembre, así como la comedia El primer caso de Black & Jack (2017); y además, Mi querida neurosis, unipersonal que cumple 10 años de estrenado, también regresará a escena. “Y por supuesto, seguimos con la escuela de Gestus en la Payacasa de Barranco, dictando talleres de impro, clown, técnicas corporales, de máscaras y así todo el año, tanto para principiantes como para actores profesionales, que quieran empaparse de estas  y otras técnicas escénicas”, finaliza.

Sergio Velarde
13 de febrero de 2018

Temporada: CINTAS DE SEDA

De Norge Espinosa en el Teatro de Lucía

Escena Contemporánea y Alberto Isola anuncian su segunda producción del año con Magali Bolivar, Montserrat Brugué y Augusto Mazzarelli.

Escena Contemporánea anuncia el estreno de “Cintas de seda” del dramaturgo cubano Norge Espinosa Mendoza, obra que será dirigida por Alberto Isola y protagonizada por Magali Bolívar, Montserrat Brugué y Augusto Mazzarelli. La temporada irá del 10 de febrero al 12 de marzo, de jueves a lunes a las 8:00 de la noche (domingos a las 7:00 p.m.) en el Teatro de Lucía.

Esta sólida producción, que evoca a la pasión por encima del remordimiento, determinación antes que sumisión, permitirá al público limeño un acercamiento a la dramaturgia cubana contemporánea, contemplando la historia de una famosa pintora recluida en un misterioso hospital y atendida por una monja que resulta ser alguien igualmente famosa, pero oculta.

Ambas figuras intercambian confesiones, secretos y confabulan para pintar juntas un cuadro, pese a las órdenes de un médico omnipresente y censurador. La obra de Norge Espinosa representa una historia de mujeres, rebelión, arte y fe centrada en dos personajes fundamentales de la historia cultural de América Latina: Frida Kahlo y Sor Juana Inés de la Cruz.

“Cintas de seda” recibió el Premio Nacional de Dramaturgia José Jacinto Milanés 2006 por presentar a la rebelde “Pintora” en diálogo intenso con la polémica “Monja”, exponiendo sus particulares visiones del arte y estableciendo el contrapunteo de sus prodigiosas mentalidades en medio de la pobreza social en que desarrollaron sus creaciones.

Las entradas para “Cintas de seda” están a la venta en Teleticket y la boletería del Teatro de Lucía, ubicado en la calle Bellavista 512, Miraflores.

Reestreno: TU MADRE, LA CONCHO

Gozó de un gran éxito en sus dos primeras temporadas siendo disfrutada por 6 mil espectadores

Desde el 22 de febrero en el Centro Cultural Ricardo Palma, de Miraflores. Con las consagradas actrices Haydeé Cáceres y Sonia Seminario junto a Claudio Calmet y Lía Camilo.

Las consagradas actrices Haydeé Cáceres y Sonia Seminario retratarán con humor a la madre peruana en la comedia costumbrista “Tu madre, la Concho” que regresa en su tercera temporada, a pedido del público, por 20 funciones más en el Centro Cultural Ricardo Palma, de Miraflores.

La puesta en escena, escrita por Ángelo Condemarín, dirigida por Paola Vicente y también con las actuaciones de Claudio Calmet y Lía Camilo, que gozó de un gran éxito en sus dos primeras temporadas (2017) y fue disfrutada por 6000 espectadores, vuelve desde el 22 de febrero del 2018, de jueves a domingo, a las 8 de la noche.

Y la ocasión es más que especial porque coincide con el 50 aniversario de trayectoria de la primera actriz Haydeé Cáceres, en la actualidad, una referencia importante en la actuación. Ha participado en radionovelas, telenovelas, películas y obras de teatro en los que ha demostrado su vena dramática y cómica.

Una madre sobreprotectora al límite, una abuela que se las sabe todas, y una nieta que no quiere crecer, se unen en un matriarcado familiar para dominar la casa frente a una terrible amenaza: El engreído de la familia quiere independizarse.

¡A ti alguien te ha puesto en mi contra! ¡Volví a la vida de milagro para que tú nacieras! ¡Porque soy tu madre y punto! son expresiones que, con el paso de los años, han pasado de la intimidad del hogar a formar parte de nuestra cultura popular.

“Tu madre, la Concho” va del 22 de febrero hasta el 25 de marzo del 2018 en el Centro Cultural Ricardo Palma (Avenida Larco 770 - Miraflores). Las funciones son de jueves a domingo a las 8 de la noche. Venta de entradas con descuento en Teleticket http://bit.ly/2BFYwBJ.

Entradas: General: 50 soles /  Jubilados: 40 soles / Estudiante: 30 soles 

domingo, 11 de febrero de 2018

Estreno: ANTÍGONA COMO PRE-TEXTO

Dos miradas para hablar de la lucha por el poder y los problemas de comunicación

Intervención de los textos de Griselda Gambaro (Antígona Furiosa), Jean Anouilh (Antígona) y Sara Joffré (Pre-texto)

Va los viernes y sábados a las 8 de la noche, y domingos a las 7 de la noche, del 16 al 25 de febrero, en el teatro de la AAA. Entradas a la venta a 5 soles (general).

Dos miradas para hablar de la lucha por el poder, exacerbada por la ausencia de solidaridad y los problemas de comunicación en una sociedad que solo sigue rutinas de forma mecánica: "Antígona como pre-texto", es la nueva obra teatral que presenta la Asociación de Artistas Aficionados desde el viernes 16.

La dramaturgia escénica surge de la intervención de los textos de Griselda Gambaro (Antígona Furiosa), Jean Anouilh (Antígona) y de Sara Joffré (Pre-texto). La dirección está a cargo de los profesores Yasmín Loayza y  Omar Del Águila, que asumieron el reto de crear un montaje vigente, integrador, cargado de metáforas e imágenes.

El ensamble de las puestas en escena es de los estudiantes y profesores de dos de los talleres de teatro de la AAA,  generando  por primera vez  un espacio de  intercambio  de propuestas, lenguajes y búsquedas a través de la exploración y el reconocimiento,  fortaleciendo su formación, el lazo fraterno y  pedagógico desde la institución.

"En esta ocasión apostamos por brindarle  al alumno y alumna de la AAA a de-construir desde lo aprendido, re-diseñar desde el entrenamiento y el uso de los elementos, y el manejo del texto”, sostiene uno de los directores, Omar Del Águila. “La capacidad de adaptarse y componer o descomponer desde nuestra teatralidad. El reto es de crear un montaje aún vigente, integrador, cargado de metáforas e imágenes, donde le estudiante de la AAA cuente una historia desde otras dramaturgias teatrales", indica.

"Antígona como pre-texto" va los viernes y sábados a las 8 de la noche, y domingos a las 7 de la noche, del 16 al 25 de febrero del 2018, en el teatro de la AAA (Jirón Ica 323 - Cercado de Lima). Las entradas están a la venta en la misma boletería a 5 soles (general). 

Colaboración regional: MOVIDA TEATRAL TACNEÑA

Evitar los encharcamientos

Es febrero del 2018 y la ciudad heroica hoy, comienza a consolidar un movimiento teatral, que de manera prolongada retiene una cantidad importante de espectadores gracias a la existencia de agrupaciones y colectivos artísticos que de manera independiente aran este camino, jóvenes y veteranos, trabajan a corto, mediano y largo plazo desde sus agrupaciones, promoviendo la aparición de nuevas propuestas y espacios, dejando atrás el efecto centralizador que mantuvo estacionada la escena regional.

Tacna es una ciudad de paso, nuestro espectador local ha sido susceptible a participar de espectáculos itinerantes de toda índole (compañías y productoras nacionales o internacionales rumbo al sur e internacionales rumbo al norte) que de producciones locales, esto ha generado que la percepción del espectador tacneño acerca de las artes escénicas se limite en su mayoría por las formas comerciales de la escena influenciadas en las industrias de cine y la televisión, por ello, a pesar de la gran cantidad de espectadores que los grupos congregan anualmente, los estrenos, las temporadas y los encuentros producidos por los núcleos teatrales locales en muchas oportunidades llegan a ser eventos aislados mediáticamente por diversas circunstancias: la poca proyección mediática, la falta de difusión, la escasa sostenibilidad, y la poca identificación del público tacneño hacia sus formas y discursos teatrales locales; a pesar de estas carencias y dificultades, la actividad teatral ha ido en incremento considerable en los últimos 3 años, aún no se puede evidenciar un panorama profesional regional o hablar de un mercado teatral sostenible, pero este crecimiento ha permitido que la percepción de la prensa y la ciudad frente a nuestro teatro haya evolucionado constructivamente.

Ciertos eventos y proyectos son actualmente puntos de la cultura teatral en nuestra ciudad y contribuyen a este crecimiento por la EVIDENCIA sistemática que demuestran cada año:
El “FITEAL” (Festín Internacional de Teatro Alternativo) promovido por el Grupo Teatral Masdenosotros, que ha llegado a congregar en sus once versiones aproximadamente a 15 mil espectadores, y que en el mes de noviembre del 2017 inauguró su XI versión.
La Sala de teatro “Cuadra 21”, única sala de teatro independiente de la ciudad, proyecto en ejecución y en implementación dirigido por el Grupo Teatral Deciertopicante, ahora ubicado en Calle Alto Lima #2021.
La Especialidad de Teatro de la Escuela de Formación Artística Pública Francisco Laso, único espacio de formación ACADÉMICA profesional en nuestra ciudad, que lamentablemente durante los últimos 3 años no ha vuelto a abrir su convocatoria para nuevos postulantes por “falta de presupuesto”.
El Teatro Orfeón propiedad de la Benemérita Sociedad de Auxilios Mutuos “El Porvenir” con un reciente cambio de administración de la cual la ciudad continúa expectante.

De la misma forma proyectos prometedores que marcaron su línea de trabajo durante los últimos 2 años: 
El nuevo espacio del Grupo de Teatro Comunitario RompiendoTablas, ubicado en el Distrito de Gregorio Albarracín Lanchipa y dedicado al trabajo con niños de bajos recursos económicos.
El Centro de Innovación Artística “Casa LaramaMango” espacio activo de creación, difusión y exhibición de distintas disciplinas artísticas, proyecto de la Asociación Cultural Colectivo LaramaMango.
La formalización de las agrupaciones de teatro universitario: UPT Teatro, Elenco teatral de estudiantes de lengua y literatura de la UNJGB, el Taller de Teatro de la Escuela de Formación Superior “NEUMANN”, entre otros.

Evitar el encharcamiento en todas sus formas: de público, de espacios, de agrupaciones, de propuestas; renovar y circular, es prevenir la podredumbre del ecosistema teatral.

Luis Felipe Ramírez Montesinos
10 de febrero de 2018

Estreno: BAGDAD

Versión libre y moderna del libro anónimo “Las mil y una noches” convertida en obra teatral

Con la dirección y dramaturgia de Gerardo Fernández, y Miluska Eskenazi y Ricardo Bonilla en los roles protagónicos.

Viernes, sábados y domingos a las 8 de la noche, del 16 de febrero al 25 de marzo, en el Teatro Esencia, de Barranco.

“Bagdad” es la versión libre y moderna del libro anónimo “Las mil y una noches” convertida en obra teatral y añadiendo elementos de acción, aventura, y pasión, que se presentará desde el viernes 16 en el Teatro Esencia, de Barranco, con las actuaciones de Miluska Eskenazi y Ricardo Bonilla. Completan el elenco Urías Santillán, Gessy Cochachi, Juana Martínez, Eduardo Paredes, Julio Cesar Delgado, Piero Montenegro, Manuel Echeandia y Gerardo Fernández, este último también encargado de la dirección y dramaturgia. La producción es de Espacio Teatro Esencia.

El montaje nos traslada a un mundo actual, en decadencia y corrupción lleno de conflictos, muerte, inseguridad, donde el resentimiento vive más latente que cualquier otra emoción.  Pero, ¿quién es inocente y quien culpable? ¿Acaso hay respuesta para eso? Por un lado, un gobernante hundido por la traición y el resentimiento, siembra la muerte en Bagdad; por el otro, una mujer está dispuesta a todo por cambiar las reglas y obtener la libertad de amar a otra mujer en un país que se lo prohíbe.

“No pretendo ser un panfleto y menos adjudicarme una respuesta frente a la problemática que vivimos en nuestro país o el mundo; por el contrario, solo busco mostrar las muchas caras de la moneda, ya decide tú quien es inocente y quien culpable”, comenta el director Gerardo Fernández. “Hoy en día, en una sociedad como la nuestra donde todos peleamos por tener la razón, por imponer nuestras creencias, posturas, y sobre todo, donde la violencia e inseguridad se hacen cada día más latentes, Bagdad es, sin duda alguna, un claro ejemplo de hacia dónde nos dirigimos”.

“Bagdad” va todos los viernes, sábados y domingos a las 8 de la noche, del 16 de febrero al 25 de marzo del 2018, en el Teatro Esencia, de Barranco (Avenida Miguel Grau 071). Venta de entradas en el mismo teatro y vía online en: www.joinnus.com a 40 soles (general) y 33 soles (estudiantes y jubilados). Hay preventa hasta el 15 de febrero a 28 soles.